Ancestor worship
Artist`s statement
By Maria Pavlova
Finding reasons for problems and resources for solutions, this is what ancestor worship is about.
Its about culture, history and progress. New technologies are useless without culture. Art creates culture. Ritual objects from ancient times, created to be used to worship gods or ancestors became art objects. They were the source of inspiration for artists. In the “yolo culture” - a term used in pop music and culture, which has received criticism for glamorizing reckless behavior, worshiping the ancestors is seen as uncool - in the opposite to the older cultures from the east. Though thanks to our predecessors we are alive. Reconnection with, and understanding of the past brings solutions for the future. It’s an immaterial process. That is the reason why the artist is choosing the medium of painting for this research.
Ancestor’s worship – is visualizing this topic from a very personal point of view.
Text by Maria Pavlova
Wo endet Natur, wo beginnt die Zivilisation? Dass nicht nur diese Frage keineswegs so einfach gestellt oder gar beantwortet werden kann, sondern vielmehr auch der Gegensatz Natur-Technik als dessen Voraussetzung höchst fragwürdig erscheint, thematisiert Maria Pavlova in ihrer Malerei spätestens seit ihrer Werkreihe I am not your mother (2013/14). Behutsam, aber doch unnachgiebig, konfrontiert sie die Betrachtenden in Arbeiten wie Pragmatic Space (2013), Elysium (2013/14) oder DNA Modifier (2013) mit irritierenden Kippbildern der Wirklichkeit: Wo verlaufen die Grenzen zwischen Repräsentation und Interpretation, zwischen Realität und Imagination, zwischen Kunst und Künstlichkeit, zwischen freiem Ausdruck und Manipulation?
Ganz nah holt Pavlova in diesen Arbeiten Instrumente und Ausstattungen des Labors an sich und ein Publikum heran und scheint damit auch zu fragen: Wie kann das sinnlich Wahrnehmbare, die Erscheinung, fixiert werden – und sei es nur für einen Moment? Das Gemalte stellt bei Pavlova Strategien des Konstruierens und Sich-zu-Sehen-Gebens zur Diskussion. Petrischalen, Vitrinen und kuriose Apparaturen verzeichnen Spuren des Menschlichen, zeugen vom forschenden Blick der Malerin und dem Gestus einer teilnehmenden Beobachtung, mithilfe dessen sie stets auch ihre eigene Position als Schaffende mitverhandelt.
Ganz zu Beginn des Arbeitsprozesses an einem Bild steht für Pavlova nicht selten eine Fotografie. Gezielt und pragmatisch setzt sie diese als Hilfsmittel ihrer malerischen Reflexion ein. Aber auch ohne dieses Ausgangsmaterial oder das Wissen darüber trifft einem beim Betrachten scheinbar unvermittelt ein Barthes’sches punktum: etwas, das aus Konventionen der Wahrnehmung ausschert und den Blick freigibt auf die Graubereiche des fragwürdig gewordenen ‚Wirklichen‘: Pavlova lenkt die Aufmerksamkeit auf die Rahmung unserer Denk- und Bildwelten und macht deren Brüchigkeit und Kontingenz bewusst: So liebäugeln Arbeiten wie If you think of something else (2008) oder You drilled too deep (2013/15) mit Elementen des Fantastischen. Auch kommerzielle Bildsujets wie Schneewittchen (Dislocation/Snowwhite, 2008) oder frisch fröhlich grinsende Smileys (Happy Birthday, 2009) werden mitunter aufs Tableau zu bringen – mit einem Augenzwinkern, versteht sich. Pavlova erlaubt sich und ihren Bildern, höchst eigenständige Perspektiven zu etablieren und bestehende Blickordnungen zu hinterfragen.
Ihre Arbeiten stehen aber auch für ein Ausloten des Raumes als Bühne: Wo ist die Stimmung geblieben, angesichts der Vermitteltheit der Malerei, worin besteht die Ästhetik technischer Gebrauchsgegenstände und entindividualisierter Waren? Wo beginnt und wo endet das Bild im Bild und die jeweils dazugehörige Rahmung (Running back home, 2011)?
Pavlovas junges und ambitioniertes Oeuvre lässt sich als ein Plädoyer auf das Bauchgefühl in einer von Intellekt, Industrie und modernen Technologien geprägten Lebenswelt lesen: Eine Brise Melancholie inklusive. Es ist eine subtile Poesie, die die Künstlerin unserer conditia humana hier abgewinnt und mit viel Fingerspitzengefühl konsequent entfaltet.
Antonia Rahofer
April 2016
Let’s take a walk, shall we?
(by Anna-Sophie Fritz, Vienna 2018)
Strolling through Maria Pavlova’s artwork, we come across a very serious kind of humour concerning the relationship of us humans with our surroundings.
The motifs she chooses range from landscapes (Grandmother, 2009) and animals (Rabe, 2013) to futuristic settings (Let´s do something real, 2010), and reflect the search for a clear position in humanity’s ongoing struggle—where do we stand between nature and civilisation, between raw pagan energy and technical endeavours? Far from forcing her personal answers upon the spectator, Pavlova’s paintings instead testify to her own questions. As her observations vary, so do the figures in her artwork and her brush: from the calm and self-aware Observer (2006) to the energized Bhutoman (2008), oblivious to his surroundings.
read more ...
Text: Vera Zavarzina
Chroma key – is a technique that allows to combine two or more images in one composition; in other words, it helps to "remove" the background and substitute it with any image possible. Chromo key is widely used for broadcasting and film production. In everyday language, the material used of a vibrant green colour made of paper or fabric is also called chroma key.
In her works, Maria Pavlova turns the situation upside down – here not the green background of the chroma key is filled with a suitable decoration, but instead the chroma key studio itself appears in her landscape paintings as an unexpected protagonist and an alien character. The world on the Pavlova`s paintings is literally turned inside out: the space of the green room that is initially supposed to separate the inside from the outside becomes restricted itself, while the nature that is intended to serve as its inside contents turns into the outside surroundings.
The exhibition Green Room questions the possibility for the human of an urban environment to return to the primary nature. In her art practice, Pavlova systematically addresses the traditional subject of the nature, and the problem of its representation in the context of contemporary art is the one influenced this series in particular. The other question that the artist is concerned with is the revival of the painting as a medium in the context of contemporary art. In 2015, Pavlova used to live in Mongolia and spent two months in Brazil living with Indian tribes afterwards. Still the deep meaning found by Gauguin in the nature existing "before civilization" turns out to be impossible to conceive for the human of the postmodernist paradigm, where such categories as authenticity and singularity are happen to be undermined. The pristine nature remains out of reach, and it seems that the only thing left for a modern age human are the images of nature produced by the culture, including the mass culture of films created in the dimension of the infamous chroma key. Our experience is tend to be based on the fabricated images, even when we face the nature directly, and the inevitable green box on Pavlova`s paintings is a constant reminder of that fact. Come to think of it though, does the modern age human populating the city environment needs this pristine nature that is too difficult to grasp and too dangerous to survive in? At the time when the nature that the modern human is drawn to, even if not consciously, is the kind of nature that has already been "domesticated" by the culture and civilization and is safe and "pleasing to the eye". It is easy and pleasant for the consumption, similar to all the other products of the mass culture. And, as one of the means of constructing this convenient type of nature serves chroma key - an artificial space easily filled with anything that is satisfying and appealing to the eye. For five years, Pavlova used to work as a set designer for the theater and opera, and this experience, undoubtedly, has proved to be essential for the Green Room creation.
The reason of using the green colour for the chroma key is that the human body doesn`t contain any of it, which makes it easy to remove any unnecessary background during the film production; even in nature, this shade of colour is practically impossible to find. On Pavlova`s paintings chroma key is a product of civilization that competes with nature persistently making its presence seen and offering the viewer its artificial and skilfully crafted all-purpose substitute.
Art pieces of Ekaterina Medvedeva presented at the exhibition were carefully selected from the Blagodatovs collection by the artist herself, and are considered rather as a reference point in her contemplation about the possibility of modern regression towards the naive form.
Maria Pavlova was born in Moscow, but grew up in Vienna, where she had moved as a child. And, therefore, it is her experience based on the identification with Russian culture in combination with the western context that formed her as an artist. In December 2016, Pavlova were introduced to Nikolay and Raisa Blagodatovy and their collection of Lenengrad non-conformist art, where she first saw the works of Ekaterina Medvedeva. This naive art of late Soviet era has become for Pavlova the last possible harbor of the radical Russian traditional character and singularity. Is it still possible nowdays for the skilful artist born in a small village to look at the world with such a child-like eye as Medvedeva did?
Текст: Вера Заварзина
Хромакей (анг. chroma key) – технология, позволяющая совместить в одной композиции два и более кадра; проще говоря, с её помощью можно «удалить» беспредметный фон и подставить вместо него любую картинку. Хромакей активно применяется на телевидении и в современном кинопроизводстве. Используемый материал ядовито-зелёного цвета – бумага или ткань – также в обиходе называется хромакеем.
В работах Марии Павловой ситуация переворачивается с ног на голову: не условный зелёный фон хромакея заполняется подходящей декорацией, но хромакей-студия появляется в её пейзажах как неожиданный и чуждый персонаж. Мир на картинах Павловой оказывается буквально вывернут наизнанку: пространство зелёной комнаты, изначально ограничивающее внутреннее от внешнего, само становится ограниченным, а природа, призванная служить её внутренним наполнением, превращается в окружающую среду.
Выставка «Зелёная комната» ставит вопрос о возможности возвращения современного урбанизированного человека к первозданной природе. В своих работах Павлова систематически обращается к традиционной теме природы, и проблема её изображения в контексте современного состояния искусства – одна из тех, что легли в основу создания серии. Другая задача, которую ставит перед собой художница – реабилитация живописи как медиа современного искусства. В 2015 году Павлова жила в Монголии, затем провела два месяца в Бразилии, среди индейских племён. Но гогеновское обретение истины в природе «до цивилизации» оказывается невозможным для человека, существующего в постмодернистской парадигме, где такие категории, как подлинность или уникальность, оказываются дискредитированы. Первозданная природа остаётся недоступной, и всё, что остаётся современному человеку – это картинки природы, сформированные культурой, в том числе и культурой массового кино, снимаемого в пространстве пресловутого хромакея. Наш опыт опосредован сфабрикованными образами, даже когда мы сталкиваемся с природой лицом к лицу, о чём нам напоминает неизменная зелёная коробочка на картинах Павловой. В действительности, нужна ли современному городскому жителю эта самая подлинная природа, слишком совершенная, чтобы её постичь, слишком опасная для выживания? Природа, к которой стремится – пусть и неосознанно – современный человек, уже «приручена» культурой и цивилизацией, безопасна и «приятна во всех отношениях». Как и другие продукты массовой культуры, её легко и приятно потреблять. Одним из способов конструирования такой комфортной природы и служит хромакей, искусственное пространство, которое можно заполнить чем угодно, лишь бы оно доставляло удовольствие и радовало глаз. На протяжении пяти лет Павлова работала художником-постановщиком для оперы и театра, и этот опыт, несомненно, оказался принципиально важным в создании «Зелёной комнаты».
Зелёный цвет в изготовлении хромакея используется не случайно: такого цвета нет в человеческом теле, что значительно облегчает удаление ненужного фона в кинопроизводственном процессе; даже в природе такой оттенок практически не встречается. На картинах Павловой хромакей, продукт развитой цивилизации, конкурирует с природой и, настойчиво напоминая о себе, предлагает зрителю её искусственно и искусно созданный универсальный заменитель.
Работы Екатерины Медведевой из коллекции Благодаровых, также представленные на выставке, были отобраны самой художницей и, скорее, обозначают отправную точку для её размышлений о возможности современной регрессии к наивному состоянию. Мария Павлова родилась в Москве, но выросла в Вене, куда переехала в детстве, и идентификация с русской культурой соединилась в её опыте с западным контекстом, сформировавшим её как художницу. В декабре 2016 года Павлова познакомилась с Николаем и Раисой Благодатовыми и их коллекцией ленинградского искусства нонконформизма, где она впервые увидела работы Екатерины Медведевой. Наивное позднесоветское искусство стало для Павловой последним возможным пристанищем радикальной русской традиционности и своеобычности: может ли ещё в российской глубинке родиться художник-самородок, способный, подобно Медведевой, смотреть на мир наивным, «детским» взглядом?
